Para 1979, Sly Stone era una sombra del genio que había revolucionado el funk y el soul una década antes; su adicción a la cocaína y el crack había fragmentado a la Family Stone, dejando solo a su hermano Freddie y a su hermana Vet como miembros originales en este álbum. El disco surgió casi como un intento desesperado de recuperar la gloria perdida, grabado en sesiones erráticas y caóticas donde Sly a veces no aparecía por días, y cuando llegaba, solía estar en un estado alterado que obligaba a los ingenieros a trabajar con tomas fragmentadas. A pesar del infierno personal, logró reunir a músicos de sesión de primer nivel, como el bajista Rusty Allen y el baterista Andy Newmark, para dar cuerpo a sus ideas, mientras la producción se alternaba entre los sofisticados estudios Record Plant y el entonces moderno Automatt en San Francisco. La grabación fue un proceso tortuoso que duró más de un año, con Sly reescribiendo canciones sobre la marcha y borrando pistas enteras en arrebatos de paranoia, lo que explica la sensación de urgencia y desorden que impregna el disco. Aun así, en medio del caos, Sly demostró que su oído para los grooves y los arreglos vocales seguía intacto, como si el genio se negara a apagarse del todo.
Musicalmente, 'Back on the Right Track' es un álbum extraño y fascinante: por un lado, intenta modernizar el sonido de Sly con sintetizadores y ritmos más pulidos propios del disco-funk de finales de los setenta, pero por otro, conserva esa energía nerviosa y esos coros gospel-funk que fueron su sello en los setenta. Canciones como la homónima 'Back on the Right Track' y 'Remember Who You Are' tienen ganchos pegajosos y una producción brillante que recuerda a su época dorada, aunque la voz de Sly suena más áspera y cansada, como si cantara desde el fondo de un pozo. El tema 'If You Want Me to Stay', reeditado aquí, es un guiño nostálgico a su pasado, pero el verdadero corazón del disco está en cortes como 'The Same Thing (Makes You Laugh, Makes You Cry)', donde la sección rítmica suelta un groove hipnótico que casi logra borrar los problemas de fondo. Colaboran músicos como el saxofonista Pat Rizzo y el trompetista Cynthia Robinson, aunque sus partes suenan a veces sepultadas por capas de teclados, y la producción, a cargo únicamente de Sly, es inconsistente pero nunca aburrida, con momentos de genialidad que asoman entre la estática de la desesperación. Lo que hace especial a este disco es precisamente esa fragilidad: es el sonido de un artista tratando de aferrarse a su talento mientras el mundo se derrumba a su alrededor.
El impacto cultural de 'Back on the Right Track' fue mínimo en su momento —apenas alcanzó el puesto 134 en las listas de Billboard y fue recibido con críticas mixtas que lo tildaron de obra menor—, pero con el tiempo se ha revalorizado como el último aliento genuino de un visionario antes de caer en el olvido comercial durante años. Para la historia de la música, este álbum representa el trágico epílogo de la revolución funk de los setenta, un recordatorio de que el exceso y la genialidad a menudo caminan de la mano hasta que el equilibrio se rompe. Su legado no está en las ventas ni en los hits radiales, sino en la lección que ofrece sobre la fragilidad del arte: Sly Stone, que había cambiado el sonido de la música americana con 'There's a Riot Goin' On', aquí muestra las grietas de su imperio, pero también la belleza de una llama que se niega a extinguirse. Aunque ignorado por el gran público, el disco influyó en artistas posteriores como Prince y los Red Hot Chili Peppers, que encontraron en esta etapa tardía de Sly una fuente de texturas y emociones crudas. Hoy, 'Back on the Right Track' se escucha como un documento humano desgarrador, un testimonio de cómo la música puede ser tanto un refugio como un campo de batalla, y por eso merece un lugar en la historia, no como una obra maestra, sino como el murmullo sincero de un gigante cansado.