Ornette Coleman llegó a 1968 como un profeta que había sido silenciado y luego resucitado. Tras su legendaria residencia en el club Hilight de Los Ángeles y el frustrante paréntesis que siguió, el saxofonista decidió que Nueva York era el único lugar donde podía gestar su siguiente revolución. Reunió a un grupo de jóvenes músicos que compartían su hambre de libertad, entre ellos el guitarrista James Blood Ulmer, el bajista Charlie Haden y el baterista Ed Blackwell, y se encerró en los estudios A&R de la calle 48 para capturar una música que ya no cabía en los moldes del bop ni del free jazz más ortodoxo. El productor y dueño del sello Blue Note, Francis Wolff, le dio carta blanca para que grabara lo que sintiera, confiando en que el genio de Coleman siempre daría frutos extraños pero valiosos. Las sesiones fueron intensas, casi rituales, con Coleman dirigiendo a los músicos mediante gestos y miradas, y el resultado fue un torrente de energía que condensaba la tensión racial, la efervescencia contracultural y la búsqueda espiritual de finales de los sesenta. El disco, que originalmente llevaría el título de "The Empty Foxhole", terminó llamándose "New York Is Now!" como un grito de afirmación y pertenencia a la ciudad que lo había adoptado.
Musicalmente, "New York Is Now!" es un terremoto que sacude los cimientos del jazz y del rock por igual. La guitarra de James Blood Ulmer, distorsionada y llena de armónicos, se enreda con el saxofón de Coleman en un diálogo que parece desafiar las leyes de la armonía, mientras que Charlie Haden y Ed Blackwell construyen una base rítmica que oscila entre el swing más libre y el funk más primitivo. Temas como "The Garden of Souls" y "We Now Interrupt for a Commercial" muestran a Coleman explorando texturas eléctricas y estructuras fracturadas, con melodías que se retuercen como raíces bajo el asfalto. La pieza central, "Broadway Blues", es un manifiesto de cómo el free jazz podía absorber el blues urbano y escupirlo transformado en algo nuevo, con el saxofón de Coleman aullando como una sirena de ambulancia en medio del tráfico. Lo que hace especial a este disco es la manera en que Coleman logra que el caos suene a celebración, como si cada nota fuera un ladrillo arrancado de un muro que él mismo estaba construyendo mientras lo derribaba. La producción, a cargo del propio Coleman, es seca y directa, sin adornos, capturando la aspereza de un sonido que se niega a ser domesticado.
El impacto de "New York Is Now!" fue profundo aunque silencioso, como una onda expansiva que tardó años en ser comprendida. En su momento, muchos críticos lo recibieron con desconcierto, incapaces de ubicar aquella música en el mapa del jazz o del rock, pero con el tiempo se reveló como una de las obras más visionarias de Coleman y un eslabón crucial entre el free jazz de los sesenta y la fusión de los setenta. El disco influyó directamente en músicos como John Zorn, Sonic Youth y toda la escena del noise rock, que encontraron en Coleman un precursor de la disonancia como lenguaje expresivo. Además, "New York Is Now!" marcó el inicio de una nueva etapa para el saxofonista, quien a partir de entonces incorporaría instrumentos eléctricos y estructuras más abiertas en su obra, como se vería en álbumes posteriores como "Science Fiction" o "Dancing in Your Head". Hoy, escucharlo es sumergirse en el vértigo de una ciudad que no duerme, donde cada calle es una improvisación y cada encuentro una posibilidad de libertad. Es un disco que importa porque nos recuerda que la música no necesita ser cómoda para ser bella, y que a veces el camino más directo hacia el alma es a través del caos más controlado.