Tras la vorágine de giras y el éxito arrollador de 'El Camino', Dan Auerbach y Patrick Carney sintieron la necesidad de hacer una pausa y reflexionar. Fue en ese impasse emocional donde comenzaron a germinar las semillas de 'Turn Blue', un disco que nació de la oscuridad personal: Auerbach atravesaba un divorcio complicado y Carney lidiaba con el agotamiento del estrellato. En lugar de repetir la fórmula de himnos directos, se encerraron con su productor de confianza, Danger Mouse, en dos estudios de California —el legendario Sunset Sound y el bunker creativo de Brian Burton— para crear algo más introspectivo y atmosférico. Las sesiones fueron largas y meticulosas, muy distintas a la inmediatez de sus trabajos anteriores, y el trío se permitió experimentar con texturas psicodélicas y arreglos más complejos, dejando que las canciones respiraran. El título, 'Turn Blue', alude a ese estado de duelo y transformación, como si el alma se volviera azul antes de renacer, un concepto que impregna cada surco del disco.
Musicalmente, 'Turn Blue' es un desvío fascinante: donde antes había riffs cortantes y ritmos explosivos, ahora encontramos capas de sintetizadores, guitarras envueltas en reverb y una producción cinematográfica que debe mucho a la obsesión de Danger Mouse por el soul psicodélico y el rock progresivo de los setenta. Canciones como la hipnótica 'Fever' canalizan un groove pegajoso pero oscuro, mientras que 'Weight of Love' abre el álbum con una épica de casi siete minutos que podría haber salido de un disco de Pink Floyd. La balada 'In Time' muestra a un Auerbach vulnerable, con la voz desnuda sobre un piano melancólico, y 'Bullet in the Brain' es un ejercicio de tensión contenida que estalla en un coro catártico. La colaboración con Danger Mouse aquí no es solo de producción, sino de coautoría plena, y se nota en los arreglos orquestales y los coros fantasmales que flotan por todo el disco. Lo que hace especial a 'Turn Blue' es su valentía: es el sonido de una banda que, en la cima del éxito, decidió arriesgarse a perder a su audiencia antes que repetirse, y encontró una nueva dimensión emocional en el proceso.
El impacto cultural de 'Turn Blue' fue inmediato y matizado: debutó en el número uno del Billboard 200, demostrando que el público estaba dispuesto a seguir a The Black Keys en su viaje más oscuro, pero también dividió a la crítica y a los fans más puristas, que extrañaban la urgencia de 'Brothers'. Con el tiempo, el álbum ha sido reivindicado como un puente necesario en su discografía, un disco que les permitió madurar sin perder la identidad, y que influyó en toda una generación de bandas de rock que buscaban fusionar la crudeza del blues con la ambición sonora del pop. Su legado reside en esa apuesta por la vulnerabilidad: en un momento en que el rock estadounidense se refugiaba en la nostalgia, 'Turn Blue' demostró que se podía ser masivo y a la vez experimental, que el dolor personal podía transformarse en arte colectivo. Hoy, cuando miramos atrás, este disco es el eslabón que explica cómo The Black Keys pasaron de ser los chicos del garage a arquitectos de un sonido propio, y sigue siendo una escucha fascinante para quienes entienden que, a veces, para llegar más alto hay que estar dispuesto a caer.